Paperfangs - Past Perfect

Bereits der erste Blick auf das Cover von "Past Perfect" lässt einen an New Order denken. Aber es dauert einen Moment, bis man weiß warum: Eingerahmt hängt dort "Bowl Of Roses" von Henri Fantin-Latour aus dem Jahre 1889. Und ein Gemälde ("A Basket Of Roses") des gleichen Malers hatte sich auch Peter Saville für die Gestaltung von New Orders Cover zu "Power, Corruption & Lies" (1983) ausgewählt.

Paperfangs sind Jyri, Tarleena und Mikko, "a brother, a sister and a friend", wie sie sich selbst beschreiben. Das aus Helsinki und Tampere stammende Trio veröffentlichte 2010 ("ePop006") und 2012 ("AAVVAV") bereits erste EPs und lässt nun über Solti Music den ersten Longplayer folgen. 

"Past Perfect" pendelt zwischen melancholischem skandinavischem Pop und 80er Synthie-Pop, dessen Texte von einer männlichen Stimme eher gesprochen als gesungen, aber von weiblichem Gesang gelegentlich untermalt werden. Die Parallelen zu New Order sind nicht nur optischer Natur und sicherlich so gewollt.   

Self-described as “a collective of three daydreamers”, drawing inspirations from "old movies, visual arts, geometric shapes, late night biking trips, vintage girl groups, chamber pop and shoegaze as well as the latest indie gems”, the Helsinki / Tampere trio paints an audio canvas of lilting and wistful collage on Past Perfect.

One can imagine being a transient, strolling through a Nordic town as the withering winter surrenders to the budding spring, absorbing senses and sensations that self-constructs into affecting vignettes but oh so fleeting... Sweet without being syrupy, pleasant without being dull, Paperfangs' synth-swathed baroque pop gently soars and falls with the rhythm of life.

(Prefix)

Most tracks on the new album sound like the general swath of contemporary dream pop, with showy electronic accents at a minimum, and a considerable emphasis on lyricism. However, the record's first single, “Bathe in Glory,” is different. It begins with crickets and then develops into a solemn, synthy, admission of personal responsibility. “It was a simple task / I thought I'd caught those eyes / it's not a tiny world / we're not three blind mice,” Jyri remarks. He continues, “they didn't build this town / they didn't write their stories / or wait a hundred years... / yet they bathe in glory.” Despite gloomy lyrics and less-than-hurried tempo, “Bathe in Glory” also features a burst of bright and stylish keyboard to even out the mood.

“All Girls Are Grey” is the second single off the record. This one is really good. It starts out simply with drum track and synth, and gradually layers on piano, uplifting dance beat, and vocalist Jyri's signature deep, impassioned musings. Like the rest of the album, the lyrics here are of the somber variety. The excerpt, “my trembling hands are trapped in clay / all fade to grey” provides an accurate characterization of song's overall tone. “All Girls Are Grey” further features a real treat, namely keyboardist Tarleena's wispy female harmonies which echo the title's familiar refrain.

“This Power” and “Avenues of Splendour” make up the LP's inevitable filler tracks. Despite such status, I still recommend a couple spins when playing Past Perfect all the way through — as they provide a smooth, seamless segue between the standouts.

(In Your Speakers)

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Motorpsycho - Still life with eggplant

Fünf Titel, 46 Minuten Spieldauer, der längste Titel lädt und entlädt ein Gitarrengewitter gar über 17 Minuten. Schon diese Eckdaten zeigen, dass es sich bei “Still life with eggplant” um kein gewöhnliches Album handelt. Doch “gewöhnlich” erwartet man ja auch nicht von Motorpsycho. Im Vergleich zu “The death defying unicorn” aus dem letzten Jahr ist diese Platte gar einen Tick gefälliger und zitiert mal eben so ziemlich alles, was in den letzten Jahren 40 Jahren mit Gitarren produziert wurde. Die norwegische Band stellt dabei Prog-Rock in den Mittelpunkt, erinnert offensichtlich gerne an Pink Floyd, Led Zeppelin sowie Deep Purple und schreckt nicht einmal vor Folk zurück. Anscheinend wollte man den zusätzlich angeheuerten Gitarristen Reine Fiske für sein Geld mächtig an den Saiten arbeiten lassen.

Das Album muss nicht zwangläufig jedem Gitarrenfan komplett gefallen, aber für jeden Geschmack sollte etwas dabei sein. Schaut man in die umfangreiche Liste der Vorgänger lässt sich das aktuelle Werk wohl am ehesten mit “Heavy metal fruit” vergleichen. Wie jedes der ca. 15-20 Alben vorher bietet auch “Still life with eggplant” noch genug Überraschungen, um die hartgesottenen Fans noch eine ganze Weile bei Laune zu halten. Ich bin gespannt, was uns die Band nächstes Jahr zum 25. Jubiläum um die Ohren hauen wird. 

“Barleycorn” ist mein Favorit auf “Still life with eggplant”. “August” und “The afterglow” können als sanfter Einstieg dienen.

Sputnikmusic.com:

Still Life With Eggplant winds up as one of Motorpsycho's most straightforward and enjoyable releases. Of course, it might not be a classic any time soon, but their fans and hard rock fans in general will like the record. It's an enjoyable 45 minute ride that doesn't consume the listener, it only wants him to sit back, bang his head to it and have a good time.

“Ratcatcher”:

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Flunk - Lost Causes

Bekannt wurde die norwegische Elektro-Pop-Band Flunk vor allem durch ihre in dieses Genre überführten Coverversionen: von New Order ("Blue Monday" und "True Faith") über The KInks ("All Day And All Of The Night") und Depeche Mode ("See You") bis hin zu Radiohead ("Karma Police"). 

Für ihr aktuelles Album "Lost Causes" machen sie jedoch so einiges anders: Der Coversong ("Only You" von Yazoo) landet auf der B-Seite der Single ("Sanctuary"), mit Kai Christoffersen übernimmt erstmals ein Außenstehender den finalen Mix, Erik Ruud (Schlagzeug) lässt die Band zum Quartett anwachsen und Anja Øyen Vister greift zur Gitarre, was Songs wie "Queen Of The Underground" oder "Awkward" deutlich prägt und bei "Subway (J'aime la pluie d'ete)" in Richtung Galaxie 500 führt. Auf den bekannten Downbeat-Pop, der mal an Club 8 ("Love And Halogen") oder Stina Nordenstam ("Awkward") erinnert, müssen Flunk-Fans jedoch nicht gänzlich verzichten.    

Folgendes haben Anja Øyen Vister, Jo Bakke, Ulf Nygaard und Erik Ruud über ihr "Lost Causes" noch zu berichten:

All our records could be break-up records. Also this one. 'Awkward' is kissing our demons goodbye, 'Lost Causes' is telling we're not taking you home, 'Queen Of The Underground' is about all the fighters who stopped fighting, 'Love and Halogen' and 'Sanctuary' are about coming to peace, 'Primer' is possibly about stepping into someone else's dream, 'Bummed' is about the absurd luxury of living in one of the filthiest rich countries in the world with a bad taste in the mouth and utter bewilderment, since it doesn't make you happy - told in a dylanesque way or like the movie 'Big', 'Subway' is plain subjective confessions inspired by the French writer/photographer/painter Edouard Levé's inspiring book 'Autobiography'. 'Bus Ride' is possibly the most Flunk-like song on the album; it's just a restless song. And last, 'As If You Didn't Already Know', which was written for two sisters, Lara and Bano Rashid. Lara survived the Utøya terror attack in Norway on July 22 2011, Bano didn't. They both came from Iraq for the safety of the outskirts of the world, but didn't find it. Lara is a friend.

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The Boxer Rebellion - Promises

 

The Boxer Rebellion ist eine “klingt wie” Band. Verglichen wurde sie u. a. mit den Editors, Radiohead, Coldplay, Elbow, Eskobar, Muse, The National und weiteren vorwiegend britischen Bands mit einem Hang zu dramatischen bis hymnischen Melodien. Der Amerikaner Nathan Nicholson am Mikro, der Australier Todd How an der Gitarre sowie die beiden Engländer Adam Harrison (Bass) und Piers Hewitt (Schlagzeug) taten sich 2001 musikalisch zusammen. Das Debüt Exits ging spurlos an mir vorüber. Als Vorgruppe der Editors 2007 hinterließen sie trotz zweier starkes Songs ein blasses Bild. Recht begeistert war ich allerdings vom düsteren “Union”, welches 2009 erschien. “The cold still” fiel dagegen wieder etwas ab.

Mit ihrer vierten Platte “Promises” legt The Boxer Rebellion nun nach: The Killers, A-ha und U2 dürfen ab sofort der “klingt wie” Liste zugefügt werden. Offensichtlich falsch macht die Band nichts. Sie bietet Melodien und sauber produzierte und individuell gefällige Titel. Als Zusammenstellung wirken diese aber recht zerfleddert und richtungslos. Mit “Promises” hält The Boxer Rebellion nicht, was die Verbindung von Indierock und Hymnen versprechen kann. Und eine Rebellion ist das auch nicht sondern ein nettes Album welches ich bald vergessen haben werde. Ich traue der Band wesentlich mehr zu, als sie aktuell zu bieten hat. Höchstens der Song “Diamonds” hat das Potential noch das ein oder andere Mal hervorgeholt zu werden.

Produziert wurde das Album von Billy Bush, der als Gatte von Shirley Manson und Butch Vigs Sidekick Erfahrung hat mit “theoretisch” guten aber häufig sterilen Songs.

Ich musste suchen, aber ich habe eine andere Meinung bei Muzik Dizcovery gefunden:

What’s most surprising about Promises, however, is how nakedly romantic it is. Impassioned appeals like “Take Me Back” are some of the most personal the band’s ever done, the aura of youthful abandon all the more surprising coming four albums in. The result of this belated blooming, however, is that the band gets to have its cake and eat it too: it’s as if the band is reaching into the summer nights of its past only to refilter them through the lens of the spiritual winter it’s making its way out of.

Das Video zu “Diamonds”:

The Boxer Rebellion live:

• 17. September Köln
• 19. September Berlin
• 25. September Leipzig
• 26. September Hamburg
• 27. September Frankfurt
• 29. September München

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The National – Trouble will find me

Bezüglich The National herrscht im Kreise der PvG-Richter weitgehend Einigkeit. “Alligator” landete auf Platz 16 der “besten Alben der Jahre 2000-2009”, auch “Boxer” und “High violet” erzielten hohe Wertungen. 1999 in Cincinatti, Ohio gegründet und inzwischen nach New York City umgesiedelt nahm die Band über zwei Alben Anlauf, bevor mit “Alligator” der Grundstein für eine Entwicklung auf höchstem Niveau gelegt wurde. Trotz der begrenzten Speicherkapazität der mp3-Player sollte man die vier Alben seit “Alligator” immer bei sich haben und beim Vergleich mit den älteren Werken fiel mir heute auf, dass diese praktischerweise Titel in alphabetischer Reihenfolge tragen.

Grundlegende Veränderungen findet man auf “Trouble will find me” nicht. Im Gegensatz zu “High violet” verführen einige Songs den Hörer aber schon von Beginn an. Matt Berningers Baritonstimme wirkt noch tragender und prägender und kann gleichgültig, gelangweilt und einfühlsam in gleichem Moment klingen. Die filigranen Arrangements entblättern ihre Wucht stellenweise erst nach einigen Durchläufen. Eine diesbezügliche Sackgasse konnte ich auf “Trouble will find me” noch nicht entdecken. Und so geht es mir auch mit The National: Ihre Grenzen hat die Band noch nicht erreicht. Nur für die Bewertungsskalen wird es langsam eng.

Consequence of sound:

The end result is a new kind of National album — still dark and neurotic, obsessed with modern-day paranoia, but also bursting with an unlikely optimism and a very 2013 zest for life. It’s approachable without compromise and confident enough to be itself, not another Alligator or High Violet, but unmistakably from the outset Trouble Will Find Me. Come what may, The National sound ready to face it.

“Don't swallow the cap”, “Sea of love”, “This is the last time”, “Graceless” und “Humiliation” sind die stärksten Songs auf dem unglaublich guten und vielschichtigen Album.

Das Video zu “Demons”:

Im Juni wird die Band auf den “Southside” / “Hurricane” Festivals auftreten, bevor sie im Herbst zu diesen Terminen wiederkehrt:

• 04.11. Berlin
• 05.11. Düsseldorf

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Noah And The Whale - Heart of nowhere

Seit der Gründung im Jahr 2006 vollbrachten Noah And The Whale das Künststück, jedem ihrer drei Alben eine eigene Grundstimmung zu verpassen. Innerhalb dieses “Claims” tobt sich die englische Band auf “Heart of nowhere” nun aus. Da blinzelt die Unbekümmertheit von “Peaceful, the world lays me down” um die Ecke, es ist Platz für die von mir hoch geschätzte Melancholie auf “The first days of spring” und im Kern wird der locker flockige Indiepop von “Last night on earth" fortgeführt. Das Label “Folk” kann man bei der Charakterisierung dieser Platte getrost in der Schublade lassen. 

Durften in der Vergangenheit Laura Marling und Emmy the Great den weiblichen Gegenpart zu Charlie Finks Gesang übernehmen, wird dafür beim Titelsong Anna Calvi eingespannt. So entsteht auch gleich ein Höhepunkt, der zum erfreulich rockigen “All through the night” überleitet. Die folgenden Songs vervollständigen das durchgängig hörens- und liebenswerte Album. Die PvG-Richter kamen für “Last night on earth” zu keinem eindeutigen Urteil, vielleicht tun wir uns mit “Heart of nowhere” einfacher.

Bereits mit der CD/DVD Edition von “The first days of sping” ließ die Band ihre filmischen Ambitionen durchschimmern. “Heart of nowhere” ist nun das musikalische Gegenstück zu dem gleichnamigen Kurzfilm. Aus meiner Sicht hätte das Album in der Spielzeit gerne die des Kurzfilms deutlicher übertreffen dürfen.

Clashmusic.com:

From epic single ‘There Will Come A Time’ to the nostalgically blissful ‘Lifetime’, this band has succeeded at writing an exceptional album that’s both intimate and full of pop-hook goodness, all without using over-the-top production techniques.

Der Song “Lifetime”:

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Daft Punk - Random Access Memories

Acht Jahre nach "Human After All" erscheint mit "Random Access Memories" - wenn  man den Soundtrack zu "Tron" außen vor lässt - das vierte Album von Daft Punk. Und es menschelt auf dem neuen Album der roboterbehelmten Guy-Manuel de Homem-Christo und Thomas Bangalter!

Selbstverständlich frönen Daft Punk im Verlauf der fast 75 Minuten dem Funk, House und Disco-Sounds, sowie den elektronischen Spielereien und dem Stimmverzerrer, sie unternehmen aber auch Abstecher in Richtung Jazz, Rock und Softpop. Durch den Einsatz zahlreicher Gäste erfährt die hinlänglich bekannte Musik des Duos genau das, was im ersten Song gemeinsam mit Nile Rodgers (Gitarre) und John Robinson (Schlagzeug) gefordert wird: "Give Life Back To Music". 

Giorgio Moroder plaudert im 9-minütigen "Giorgio By Moroder" über sein Leben und Julian Casablancas lässt "Instant Crush" so klinken, dass es auch ein Kandidat für das letzte Album der Strokes hätte sein können - inklusive eines Gitarrensolos. "Within" präsentiert und Chilly Gonzales am Piano, Pharrell Williams darf gleich auf zwei Titel eine Portion Soul beisteuern ("Get Lucky", "Lose Yourself To Dance") und dann wären, neben den Gesangsbeiträgen von Todd Edwards und Panda Bear, im unglaublich opulent ausgestatteten "Touch" noch Paul Williams (wohl ein Star in den 70ern) als Sänger zu vermerken.

Giorgio Moroder wurde nicht etwa für einen musikalischen Gastbeitrag eingeladen, sondern als Märchenonkel besetzt. Er erzählt von den Anfängen: Ich wollte Musik machen, bin mit kleinen Auftritten von Disko zu Disko getingelt, habe im Auto geschlafen … Der Wahnsinns-Arpeggiator-Track, der dazu ertönt, klingt kurioserweise nach »Supernature«, dem größten Hit von Moroders französischem Gegenspieler Cerrone – ein kleiner Roboterscherz am Rande. Daneben gibt es Ausflüge in Richtung Americana und Broadway, zu Santana-Jazz-Funk, Zapp-Electro-Funk und ins Autotune-Wunderland. Das Album zeigt Daft Punk gewissermaßen in einem Puppenstadium, in dem sie sich noch entscheiden könnten, (für das nächste Album in weiteren acht Jahren) entweder als Fleetwood Mac zu schlüpfen oder als ABBA.

 

Man mag einem Werk, das großteils über Imperativbotschaften wie »Lose Yourself To Dance«, »Get Lucky« und »c’mon, c’mon, c’mon!« funktioniert, unrecht tun, es über seine textliche Ebene entschlüsseln zu wollen. Aber genau besehen wird die Philosophie des Albums sehr schlüssig dargelegt. Zwischen den Tanzeinlagen ist viel von Unsicherheit und Orientierungslosigkeit die Rede (»Please tell me who I am!«, fleht die Roboterstimme in »Within«), illustriert mit Klangbildern von Schwerelosigkeit (Funksprüche der letzten NASA-Mondlandemission Apollo 17 von 1972) sowie aus Unterwasserwelten. Zwei Roboter auf Identitätssuche? Ein herrlich klassischer Topos: die fast perfekte Maschine, der gerade ihr Defizit an emotionaler Empfänglichkeit bewusst wird (»You’ve almost convinced me I’m real«, schmachtet 70er-Pop-Star Paul Williams in »Touch«), die aber noch nicht versteht, dass genau diese Einsicht sie schon zum Gefühlswesen macht – im Normalfall zu einem rasenden, das irrational gegen jede programmierte Logik handelt. Die Folgen waren bisher (in einem Kanon von, sagen wir, 2001: Odyssee im Weltraum bis Terminator) unweigerlich: Aggression, Selbstzerstörung, Drama. Daft Punk räumen komplett auf damit. Ihre Revolution (diesmal ohne 909) klingt nach Bombast und setzt zugleich auf eine neue Mildheit. Auf das Ausagieren aller Konflikte im Gesellschaftstanz, gepaart mit der Hoffnung auf ein freudiges Ereignis, amouröser Art womöglich. Eine Revolution der Nonchalance.

 

Nebenbei funktioniert Random Access Memories auch auf einer noch allgemeingültigeren und sympathisch schlichten Ebene. Es ist eine Album gewordene Erkenntnis, die von Firmenfeier bis Hochzeitsparty und von 1977 bis in alle Ewigkeit gilt. Disco geht immer.

(Spex)

Es ist ein seltsam gediegenes Werk, handgemacht in der Anmutung, fast schon traditionell in den Mitteln: Disco für Leute, die mit Disco bislang nichts anzufangen wussten. Verschwunden ist das Zusammengesampelte, Klangteppichartige ihrer bisherigen Alben: Dass Daft Punk einmal als DJs begonnen haben, ist kaum noch herauszuhören, so viele Gäste sind diesmal an der Produktion beteiligt, von Strokes-Sänger Julian Casablancas bis hin zum Swing-Entertainer Chilly Gonzales. Es muss eine inspirierende Zeit im Studio gewesen sein, so frisch klingt das Ergebnis – als wäre endlich freigelegt worden, was von Beginn an tief im Innern der Elektronik steckte, aber stets verschämt blieb: verschwitzter, in die Beine fahrender Funk.

Die Wendung zurück beginnt mit Give Life Back to Music, einem programmatischen Titel, in dem Nile Rodgers seine Gitarre scratcht wie damals, als er mit seiner Band Chic den Funk in Richtung Disco trieb, schwillt zu bombastischen Soundwänden an, wie man sie von Earth, Wind & Fire kennt, macht vor Phillysound-Zitaten nicht halt. Mit jedem Gast wird ein anderer Dancefloor beackert, mit jedem Track geht es ein Stück weiter ins Vergangene: The Game Of Love startet bei Barry White, endet in einem Inferno aus Beats, lässt in der Mitte aber viel Raum für schwelgende Geigen-, Piano- und Percussion-Parts. Für die Dauer eines Stücks tritt sogar die Produzentenlegende Pharrell Williams aus der Kulisse und schiebt die Rhythmusspur ganz weit nach vorne. Mit dem virilen, als Single ausgekoppelten Get Lucky landen Daft Punk dann endgültig in der Old School. Nicht dass sie deswegen Renegaten wären und die elektronische Musik infrage stellten. Sosehr echte Instrumente diesmal im Vordergrund stehen, wenn es in die Details geht, fühlt man sich immer noch wie in einem Raumschiff, auf dem Weg in unendliche Weiten, begleitet von spacigen Effekten und retrofuturistischen Computerstimmen. "I knew this could be the future of music" ist so eine Sentenz, die im Titel Giorgio by Moroder kein Geringerer als Giorgio Moroder selbst auf die Umlaufbahn setzt. Während Daft Punk früher einen Sound machten, der in seiner vollkommenen Künstlichkeit handgefertigt wirkte, liefern sie nun mit echten Musikern an echten Instrumenten echtes Handwerk, das seine Wucht erst aus der Elektronik im Hintergrund bezieht.

In der Wirkung ergibt das ein Brett von einem Album, das das Beste aus Digital und Analog auf hinreißende, humorvolle und extrem tanzbare Weise vereint. Man muss kein Prophet sein, um vorauszusagen, dass die Partys des meteorologisch so verhalten begonnenen neuen Jahres demnächst maßgeblich mit Klängen aus der Daft-Punk-DJ-Kiste in Wallung kommen werden.   

(Die Zeit)

Eingestellt von Dirk 1 Kommentare

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No Joy - Wait To Pleasure

Wenn man sich den Opener des zweiten und aktuellen Albums der in Montréal ansässigen Band No Joy anhört, vermutet man nicht unbedingt lediglich zwei junge Frauen, die für dieses Songmonster verantwortlich sind:

"E" funktioniert als Opener vor allem deshalb so gut, weil man am Anfang noch keine Ahnung hat, was passiert. Das hypnotische Schlagzeug paart sich mit dem kratzigen Bass, White-Gluz' beinahe abwesend klingender Gesang wirkt von Sekunde zu Sekunde einnehmender, bis nach gut zwei Minuten schließlich das Getöse beginnt und unbarmherzig alles durcheinanderwirft. (plattentests.de)

Während man selbst noch völlig geflasht von diesem Einstieg ist, poltern Jasamine White-Gluz und Laura Lloyd durch die nächsten Songs, als hätten Shoegaze und Dreampop in den beiden Mädels ihre ultimativen Genreköniginnen gefunden, postwendend gekrönt und links und rechts neben Kevin Shields gethront.

Warum noch den Epigonen zuhören, wenn My Bloody Valentine selbst nach sagenhaften 22 Jahren endlich wieder ein Album am Start haben? Im Falle von No Joy beantwortet sich diese Frage ziemlich leicht: Ihr zweiter Wurf legt nach dem vielversprechenden Debütalbum nochmal eine ganze Schippe drauf und fällt im direkten Vergleich zum mancherorts etwas zu sehr in den Himmel gelobten „m b v” kaum ab. Facettenreicher und produktionstechnisch feinfühliger als der Erstling mischen sich auf „Wait To Pleasure” genretypische Gitarrenschichten mit kleinen elektronischen Spielereien. (auftouren.de)

Mit ihrem geballten, fast aggressiven Sound heben sie sich vom Stil ihrer (durchaus befreundeten) Kolleginnen Best Coast, Puro Instincto oder auch Vivian und Dum Dum Girls ab. Ihre Musik enthält Shoegazing-Elemente, aber in einer atypisch düsteren, ja bedrohlichen Ausprägung. Hinter den schwelgerischen Soundkaskaden scheint häufig eine melancholische, bitter-süße Popmelancholie auf – gut verpackt in einer kompromisslosen Krachmaschinerie. (arte.tv)

Eingestellt von Olly Golightly 0 Kommentare

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The Pigeon Detectives - We Met At Sea

Einen Originalitätspreis werden The Pigeon Detectives sicherlich nicht mehr gewinnen. "We Met At Sea" ist bereits ihr viertes Album und kann sich weder in der Hitdichte noch hinsichtlich der Platzierung in den britischen Charts mit "Wait For Me" (2007, Platz 3, 4 Hit-Singles) und "Emergency" (2008, Platz 5, 2 Singlehits) messen, sondern folgt eher "Up, Guards And At 'Em!" (2011, Platz 30, keine erfolgreiche Single).

Matt Bowman (Gesang), Oliver Main (Gitarre), Ryan Wilson (Gitarre), Dave Best (Bass) und Jimmi Naylor (Schlagzeug) brauchen für ihre 10 Titel nur knapp 32 Minuten und liefern rumpelnd-rauhen Garagenrock ("I Won't Come Back") ab und schielen mit tanzbarem Indierock in Richtung Two Door Cinema Club ("Light Me Up"). The Pigeon Detectives bezeichnen sich selbst als Live-Band und so wurde in den Cottage Road Studios in ihrer Heimatstadt Leeds zusammen mit Produzenten Matt Peel (The Crookes) und Sound Engineer Andy Hawkins (Kaiser Chiefs) versucht, diese energetischen Qualitäten  unverfälscht aufzufangen. Zumindest das ist ihnen gut gelungen.   

The Pigeon Detectives - I Won't Come Back on MUZU.TV.

Die zehn Stücke der Schnösel sind wie üblich tanzbar und warten mit nichtigen Texten übers Jungsein auf. Von Ironie der Postmoderne ist zum Glück aber keine Spur zu finden, gleichzeitig da THE PIGEON DETECTIVES erfrischend kräftig zupacken, vor allem die Rhythmusgruppe. Das krachende "I Won't Come Back" sei genauso wie "Where Are You" und "Can't You Find Me" (sehr Eighties; Post Punk ist wieder en vogue) als Beispiel genannt. "Unforgettable" erweist sich als größter Ohrwurm unter vielen, was im Zusammenhang mit der im Verhältnis betrachtet härteren Ausrichtung tatsächlich eine Sogwirklung erzielen kann.

Nerviger Pop wie "Light Me Up" oder "I Don't Mind" ist und bleibt in dieser Sparte aber entbehrlich und wäre angesichts der Chart-Tauglichkeit der übrigen Kompositionen nicht notwendig gewesen. Mit "No State To Drive" ist vermutlich ein Stück dieser Machart zu viel aufs Album gerutscht - zumindest nach Auffassung von Hörern, die nicht berufsjugendlich sind. Die Texte möchte man ab einem Alter von 25 nicht mehr mitsingen.

FAZIT: THE PIGEON DETECTIVES gefallen wegen ihres ruppigen Sounds bei gleichzeitig üppiger Produktion und aufgrund der Hitdichte von "We Met At Sea". Ansonsten gilt aber: Die Band steht DIRTY PRETTY THINGS oder THE RIFLES und RAZORLIGHT in nichts nach, ist aber entsprechend wenig originell.

(Musikreviews)

The Pigeon Detectives - Animal on MUZU.TV.

rockender britischer stakkato-powerpop, der zwar nicht besonders progressiv und originell ist, aber mächtig laune macht und eigentlich jede indierockparty stilsicher bereichern kann. es ist schön, das es zum glück immer noch solche working class-pub-bands wie the pigeon detectives gibt. poetischer tiefgang ist eben nicht ihr ding. die band räumt ja sogar ein, nicht besonders tiefgehende lyrics zu haben ("we're not the kind of band who preach..."), sondern ihren gesamten schwerpunkt auf die intensität und eingängigkeit ihrer rockenden gitarrren-hooklines und beats zu legen. das gelingt zwar nicht immer, da einige songs doch recht austauschbar wirken, doch auf ganzer albumlänge mag man diesem kompromislosen hooligan-britpop dann doch nicht wirklich böse sein. songs wie "i won't come back", "animal" oder "where you are" sind superbe rocker die für vieles entschädigen. wer the enemy oder the cribs mag wird 2013 an the pigeon detectives nicht vorbeikommen.

(Revolver Club)

The Pigeon Detectives in Deutschland:

15.05.13 Hamburg, Molotow
16.05.13 Köln, Luxor
17.05.13 Frankfurt, Nachtleben
21.05.13 Berlin, Grüner Salon

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Savages - Silence yourself

Nicht nur wegen der ähnlichen Stimme erinnert mich “Silence yourself” über weite Stecken an PJ Harvey. Fast so ungestüm wir diese in ihren Anfangstagen kommt das Debüt der Londoner Band Savages daher. Erst vor 1,5 Jahren gegründet verschafften sich die vier Damen schon als Support von British Sea Power und mit der ersten Single vor knapp einem Jahr Gehör. Das steigerte sich bis zur Veröffentlichung von “Silence yourself” zu einem mittelschweren Hype. Als Label las ich “Post Punk”, “Indie Rock”, “Goth” und bestimmt noch ein paar weitere. Definierend sind für mich die kräftigen Gitarren, einige prägende Bassläufe, Jehnny Beths Stimme und die Ausgewogenheit zwischen tragenden Melodien und harten bis verzerrten Klängen. Und überraschend ist Duke Garwoods Klarinettensolo am Ende des Songs “Marshal Dear”.

In zwei “Manifesten” erklärt sich die Band:

SAVAGES’ INTENTION IS TO CREATE A SOUND, INDESTRUCTIBLE, MUSICALLY SOLID, WRITTEN FOR THE STAGE AND DESIGNED WITH ENOUGH NUANCES TO PROVIDE A WIDE RANGE OF EMOTIONS. SAVAGES ARE A SELF-AFFIRMING VOICE TO HELP EXPERIENCE OUR GIRLFRIENDS DIFFERENTLY, OUR HUSBANDS, OUR JOBS, OUR EROTIC LIFE, AND THE PLACE MUSIC OCCUPIES INTO OUR LIVES. SAVAGES’ SONGS AIM TO REMIND US THAT HUMAN BEINGS HAVEN’T EVOLVED SO MUCH, THAT MUSIC CAN STILL BE STRAIGHT TO THE POINT, EFFICIENT AND EXCITING.

SAVAGES is not trying to give you something you didn’t have already, it is calling within yourself something you buried ages ago, it is an attempt to reveal and reconnect your PHYSICAL and EMOTIONAL self and give you the urge to experience your life differently, your girlfriends, your husbands, your jobs, your erotic life and the place music occupies in your life. Because we must teach ourselves new ways of POSITIVE MANIPULATIONS, music and words are aiming to strike like lightning, like a punch in the face, a determination to understand the WILL and DESIRES of the self.
This album is to be played loud in the foreground.

“Strife” und “She will” sind m. E. die besten Titel des Albums. Die Songs auf “Silence yourself” decken ein recht breites Spektrum ab und lassen Substanz vermuten, welche den Hype überstehen könnte. Auf das zweite Album wäre ich gespannt.

Mal sehen, ob die Richterurteile so vielseitig ausfallen, wie es The Quietus vermuten lässt:

Ultimately, Savages are going to be a divisive band, but better to be hated and loved than trundle along with watery, anaemic music that says nothing no matter how original it might be.

Pitchfork.com schlägt sich klar auf eine Seite:

The album cuts through a world of chatter and distraction because it practices what it preaches, transmitting its message directly through the primal, bone-rattling force of its songs.

Die Debüt Single “Flying to Berlin” live, weil der Song nicht auf dem Album ist:

Savages live:

• 16.05. Köln
• 17.05. Berlin
• 19.05. Frankfurt
• 18.06. Berlin (als Support von Portishead)

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Deerhunter - Monomania

Deerhunter verbreitet in vielerlei Hinsicht den Charme einer Indieband. Da sind z. B. die bislang veröffentlichten Alben. Das Debüt erschien 2005 auf dem lokale Label Stickfigure. Obwohl offiziell ohne Titel, wird es “Turn it up faggot” genannt. Abhängig davon, ob die Beigabe zum “Microcastle”-Album namens “Weird era cont.” als eigene Platte gezählt wird, veröffentlicht die Band aus Athens, Georgia um den Mastermind Bradford Cox (der Solo als Atlas Sound unterwegs ist) mit “Monomania” ihr fünftes oder eben sechstes Album seit der Gründung im Jahr 2001. Eine repräsentative Website wurde Deerhunter nicht spendiert, statt dessen gibt es ein paar Infos auf der Site des Labels 4AD und ein mäßig gepflegtes Blog. Obwohl das Vorgängerwerk “Halcyon digest“ zwar kein wohlwollendes PvG-Urteil ab an anderer Stelle Kritikerlob einheimsen konnte und in vielen Bestenlisten des Jahres 2010 auf oberen Rängen erschien, hat die Band offensichtlich ihren Indiestatus beibehalten. Ich bin gespannt, ob das auch nach “Monomania” so bleiben wird.

Mit der aktuellen Platte wandelt die Band nämlich absolut stilsicher und souverän im Grenzbereich zwischen Alternative und Indierock. Gegenüber die teilweise fahrigen und scheppernden Vorgängern klingt “Monomania” schon fast gefällig. Mit “Leather jacket II” ist ein veritabler Indiekracher enthalten. “Dream captain” steht diesem kaum nach. Direkt darauf folgt mit “Blue agent” ein relaxter Lo-Fi Song. Die Alternative-Anleihen im Stile von Sonic Youth, Dinosaur Jr. und The Breeders sind die Elemente, die mir “Monomania” sympathisch machen. Die ruhigeren und verträumteren Songs komplettieren das vielfältige Gesamtbild.

Laut.de bringt es auf den Punkt:

Nirgendwo sonst steht die Hymne so dicht am Wahnsinn.

Plattentests.de:

Im Zentrum aller Bemühungen stehen aber immer die Melodien, die Distortion wird niemals zum reinen Selbstzweck. Sicherlich ist das die größte Leistung des Quintetts aus Atlanta. Ihre Stücke sind feingliedrige, sensibel komponierte Konstrukte, die durch die vielen Effekte an Charakter gewinnen. Massenkompatibilität geht anders, steht hier aber ohnehin nicht auf der Agenda. Und doch gibt es auch auf "Monomania" einige große Pop-Momente, die ohne Hall und Verzerrung auskommen.

Wie es sich für eine Indieband gehört, kann ich nur ein bezüglich der Aufnahmequalität bescheidenes Live-Video zu “Neon junkyard” anbieten:

Im Herbst besucht die Band Deutschland und Österreich:

• 23.10. Hamburg
• 25.10. München
• 27.10. Wien

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Primal Scream - More Light

Gut, dass uns Bobby Gillespie gleich im 9-minütigen Opener mitteilt, dass wir das Jahr „2013“ schreiben, denn ansonsten könnte man im Verlauf von „More Light“ auch denken, zwischen 1968 oder 1972 zeitgestrandet zu sein. Auf ihrem zehnten Studioalbum geben uns Primal Scream nämlich wieder mehrmals The Rolling Stones und lassen die Gospel- und Soul-Sängerinnen jubilieren. 

5 Jahre sind seit „Beautiful Future“ vergangen, anscheinend ausreichend Zeit, um 13 Songs zu schreiben, die annähernd 70 Minuten dauern. Hinzu kommen in der Deluxe Edition 5 weitere Titel plus ein Wetherall-Remix von „2013“. Dabei werden auch eigene Schaffensphasen zitiert: „It’s Alright, It’s OK“ steht „Movin’ On Up“ („Screamadelica“, 1991) sehr nahe, der Dub von „Vanishing Point“ / „Echo Desk“ (1997) findet sich in kleinen Prisen wieder und „Tenement Kid“ sowie „Invisible City“ hätte auch auf dem extremsten Primal Scream Album „XTRMNTR“ (2000) eine gute Figur abgegeben. David Holmes konnte als Produzent gewonnen werden, Robert Plant („Elimination Blues“), Mark Stewart von The Pop Group ("Culturecide") sowie Kevin Shields, Davey Henderson und Jason Faulkner sind zu hören - nur die Auferstehung des Saxofons hätten sich Bobby Gillespie & Co. Wirklich sparen können!

„Mehr Licht!“ sollen angeblich – hoch umstritten – die letzten Worte Johann Wolfgang von Goethes gewesen sein. Mehr Licht hatten sich nach dem letztem Primal-Scream-Album auch die Fans der Band aus Glasgow gewünscht: Der als oberflächlich missverstandene Pop-Wurf BEAUTIFUL FUTURE aus dem Jahr 2008 wurde weitläufig geschmäht und fristet heute ein Schattendasein im Werk der Genre-Hüpfer. (...)
Selten dürfte die Welt eine so elektrisierende Oldie-Show gesehen haben. Opener und Leadsingle des zehnten Primal-Scream-Studioalbums MORE LIGHT versucht nun, diese Kraft zu bewahren. „2013“ ist ein neunminütiges Prog-Pop-Stück mit einem sich sofort einbrennenden Saxofon-Hook (oh ja, Saxofon – Feinde dieses Instruments mögen sich von dieser saxofondurchsetzten Platte fernhalten) und einer kreischenden Gitarrenfigur von Kevin Shields (My Bloody Valentine) im Refrain. Leider kann der Text dazu nicht mithalten: „Punkrock came and went and nothing changed, was it just a pose?/What happened to the voices of dissent? Getting rich I guess.“ Gähn. Von „einem“ Bobby Gillespie erwartet man sich einfach mehr Vision, mehr Licht. Das Album bleibt zwiespältig: Jede Großartigkeit wie das Disney-Sinfonien in Voodoo-Country einarbeitende „River Of Pain“ gleicht eine Banalität wie „Sideman“ aus. Zum Schluss wird es dann sogar ärgerlich: „It’s Alright, It’s OK“ ist SCREAMADELICA-Malen-nach-Zahlen – welches das so aufrührerisch beginnende Album dann mit einem „Ooh la la, it’s alright“-Chor beendet. Eine von der Plattenfirma in Auftrag gegebene Arbeit nach der erfolgreichen Nostalgietour? Spekulation. Ebenso wie die Frage, ob diese Band jemals wieder in der Lage sein wird, ein Album zu veröffentlichen, das sich mit dem einstigen Standardniveau von VANISHING POINT oder XTRMNTR messen lassen kann.
(Musikexpress)

‘River Of Pain’ tackles domestic violence amid voodoo grooves and swirling psychedelia. ‘Tenement Kid’ is an apocalyptic electro-lullaby for the child victims of Cameron’s current economic war on the poor. ‘Walking With The Beast’ is a blissful Beatles-y sift through the aftermath of a riot. Over some motorik psych-funk, ‘Culturecide’ dissects breadline living in benefit-capped “holocaust central’’ – a bleak ocean of “graveyard flats… breezeblock prisons’’ where minimum wagers at “the bottom of the pyramid’’ live “like a refugee in your own country’’. Throughout, ‘More Light’ illuminates the rotting underbelly of the Big Society.
At nearly 70 minutes, though, it would be pretty draining if it didn’t have a few lighter moments. Thankfully the Primals supply. Garage rocker ‘Invisible City’ celebrates society’s diversity of degradations: crack zombies, kebab-shop punks, suburban swingers and “polysexual gutter stars’’, chanting “I love this city, such a beautiful city!’’. Closer ‘It’s Alright, It’s OK’ is all bongos and rave piano jubilance even while declaring that in this “asphyxiation culture there’s no place for the weak/People circle like vultures waiting for someone to break’’, and subliminally suggesting mass suicide as a solution.
As on ‘XTRMNTR’, sonic assaults add an alien punch, grace and gravity to tracks like ‘Hit Void’ (complete with a saxophone making the sound of a Kraken dissolving) and ‘Relativity’ (with its lovely pastoral coda that sounds like Tame Impala cycling in the Dordogne). But at heart ‘More Light’ is a twisted urban soul record, even throwing Latino bossa nova rhythms into ‘Goodbye Johnny’ and coming on like a Ronettes covers band on ‘Sideman’. As such it marks Primal Scream’s third cultural renaissance. As inventive and relevant as they’ve ever been, it’s an alarm call for a comatose nation being slowly drained of lifeblood. It’s exactly what 2013 needs: more fight.
(NME)

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MS MR - Secondhand Rapture

Musikalisch sind MS MR (gesprochen Miss Mister) schnell mit Florence & The Machne zu verwechseln, da dem glamourösen, bombastischen Pop (Piano, Streicher, Synthies und bollernde Drums, alles durch reichlich Hall aufgeplustert) prägnanter Frauengesang in den Mittelpunkt gestellt wird. 

Ab heute sollte im Plattenladen deiner Wahl MS MR jedoch nicht mit der amerikanischen 80er Jahre Pop-Band Mr. Mister verwechselt werden! Obwohl Lizzy Plapinger und Max Hersenow sich musikalisch auch an den Sounds dieser Zeit orientieren und gelegentlich ("Twenty Seven") verdächtig nach den Eurythmics klingen. 

Bekannt wurden MS MR im letzten Jahr durch ihren Blog, die bewährte Masche die eigenen Gesichter zunächst zu verbergen und den Song "Hurricane", der es in Deutschland bis auf Platz 38 der Charts schaffte. Die bereits 2012 veröffentlichte "Candy Bar Creep Show" EP offerierte zudem die Songs "Bones", der die Band auch in ihrer amerikanischen Heimat bekannter werden ließ, da er im Trailer zur dritten Staffel von Game of Thrones verwendet wurde, "Dark Doo Wop" und "Ash Tree Lane", die sich wie die neue Single "Fantasy" alle unter den 12 Songs des Debütalbums "Secondhand Rapture" befinden. 

Da sich der im Retro-Sound erfahrene Tom Elmhirst abschließend der Songs annahm, dürften die Doo-Wop-Einflüsse auch Freunde von Duffy und Amy Winehouse ans Plattenregal mit dem Buchstaben M locken. Aber Vorsicht vor Mr. Mister!

(...) auf "Second Hand Rapture" wickeln sich die Tracks dunkel und pompös um die Kernmelodie. MS MR schreiben keine offensichtlichen Hits, sondern entwickeln vielmehr Begleitmelodien für die Momente, in denen man in einen düsteren Regenschauer hinter dem Fenster starrt. Aber auch für die letzten Blicke in den Spiegel, kurz bevor man sich schick einkleidet, um den coolen Club zu entern, in dem alle wieder so anonym sind, wie es MS MR vielleicht gerne geblieben wären. Mit "Second Hand Rapture" könnte diese Mischung aber vielleicht sogar in den Charts funktionieren. Und Indie- und Elektro-DJs werden für diesen beweglichen Schwermut-Pop sicherlich ohnehin ein Plätzchen in ihren Plattentaschen finden.

(Weser-Kurier)

MS MR in Deutschland:

04.07.2013 Berlin, Berghain
05.07.2013 Hamburg, Übel & Gefährlich
08.07.2013 München, Ampere
09.07.2013 Köln, Gebäude 9
19.07.2013 Gräfenhainichen, Melt! Festival

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Francis International Airport - Cache

Das Muster des neuen Francis International Airport Albums lag schon etwas länger auf meinem Schreibtisch. So richtig habe ich mich da nicht ran getraut. Der Vorgänger In The Woods war eine meiner liebsten Platten des Jahres 2010 und ich befürchtete, dass die fünf Österreicher dies mit ihrem neuesten Werk nicht wiederholen werden können. Wahrscheinlich hätte mein Schreibtisch die CD irgendwann assimiliert, wäre Dirk nicht auf mich zugekommen und hätte gefragt, ob ich Lust hätte, das neue Album vorzustellen. Klar!

Wenn sich Befürchtungen bewahrheiten… Francis International Airport gehen einen neuen Weg. In Anspielung auf den Titel des Vorgängers tut die Presseinfo kund, dass "die Band den Wald weitegehend hinter sich" lässt. Anstelle indie-typischer Gitarrenriffs gibt es "dramatische Synthesizer-Einsätze mit 80er Avancen". Toll!, denke ich noch vor dem ersten Hördurchgang, mag ich bestimmt - das Kavinsky Album höre ich rauf und runter, mehr 80er geht ja gar nicht. Nach dem Hören weiß ich allerdings, dass die Liaison FIA und 80er -zumindest für mich- leider nicht funktioniert.

Man kann das natürlich auch ganz anders sehen:

Dafür gibt es Instrumentalpassagen, die herrlich funktionieren und in eine fabelhafte Klangwelt entführen, ohne sich in Prog-Gefilden zu verlieren. Die Stücke bleiben poppig trotz ihrer detaillierten Architektur. In gewagten Harmonieübergängen (wie bei dem Stück »March«) offenbart sich außerdem eine bemerkenswerte Experimentierlust. »Great Deeds« ist gemäß dem Titel großer harmonischer Rock-Pop, in dem geisterhafte Gitarren jedoch nur als Rückkopplungen hervortreten. (intro.de)

FRANCIS INTERNATIONAL AIRPORT - THE RIGHT ONES from siluh records on Vimeo.

Mit pulsierenden elektronischen Bässen, überwiegend aus dem Rechner gezogenen Drum-Beats und vorsichtig aufgetragenen Keyboardteppichen arbeitet das Wiener Quintett auf "Cache" grundsätzlich zeitlos, ohne den Einfluss persönlicher Helden aus den 1980er Jahren allerdings zu verleugnen. (Wiener Zeitung)

Konzerttermine (ohne Gewähr)
22.05. Leipzig, Werk 2
23.05. Berlin, Haus Ungarn (ex .HBC)
24.05. Hamburg, Uebel & Gefaehrlich

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