Wo frühere Veröffentlichungen manchmal etwas zu glatt wirkten, strahlt „We“ nun eine spürbare Rohheit und Spontaneität aus. Die Band traut sich, mutiger zu sein – und genau das hebt die Platte von früheren Arbeiten ab.

Trotz aller neuen Facetten bleibt SPARKLING sich treu: Die Verbindung aus treibenden Rhythmen, pulsierender Energie und einem Hang zur Melancholie ist weiterhin das Fundament. Neu hinzu kommt aber ein deutlicherer Anspruch an Vielschichtigkeit, der die Band soundtechnisch noch näher an die internationale Spitze rückt.

Unterm Strich ist „We“ das bisher stärkste Werk der Band. Es bündelt die Erfahrungen der letzten Jahre, den Willen zur Veränderung und die Lust am Risiko.

(Frontstage Magazine)

Seit Will Toledo (33 Jahre, 13 Alben!) sein Schlafzimmer-Projekt Car Seat Headrest in eine richtige Band verwandelte, steht die Frage im Raum: Wie geht es weiter mit der Teenage Angst, wenn man selbst kein Teenager mehr ist? Fünf Jahre nach dem letzten Album "Making a door less open" (COVID-19 und Folgeerkrankungen haben Toledo arg gebeutelt) liefert er nun die Antwort: "The scholars" ist eine Rock-Oper, ein konzeptuelles Epos, das sich über mehr als 70 Minuten Laufzeit ausbreitet und sich an einem fiktiven Universitäts-Campus ("Parnassus University") abspielt. Aus Teenage Angst wird also College-Leben. 

Die Platte teilt sich klar in zwei Hälften: Der erste Akt präsentiert sich noch relativ zugänglich und liefert den erwarteten leicht verschrobenen Indierock mit den eingängigen Riffs und der lyrischen Dichte, für die Car Seat Headrest bekannt sind. Mit dem Ende des ersten Teils wird der Hörer allerdings in die großformatige, theatralische Odyssee des zweiten Akts katapultiert. Hier, wo die Songs wie "Gethsemane" oder das fast 19-minütige "Planet Desperation" die Elf-Minuten-Marke locker knacken, wird klar, dass Toledo den großen Wurf gewagt hat. 

Der Sound ist dabei breiter und ausgereifter als je zuvor. Die Lo-Fi-Ästhetik früherer Tage weicht einer opulenten Produktion, die sich vor Classic Rock-Vorbildern nicht verstecken muss. Die Bandbreite reicht von melancholischen, fast gotischen Passagen über dissonante Keyboard-Einlagen bis hin zu feurigen, schweißtreibenden Gitarren-Soli. Die Synths sind subtiler eingesetzt als auf dem Vorgänger, eher als atmosphärische Textur im Hintergrund. Die längeren Stücke sind dabei keine bloßen Aneinanderreihungen von Songideen, sondern organisch wachsende Mini-Suiten, die ständig neue Facetten offenbaren.

"The scholars" ist kühn, selbstbewusst, stellenweise unbequem und vielleicht auch an der einen oder anderen Stelle überladen. Aber für mich ist es außerdem eines der Alben des Jahres. Toledo beweist, dass er der Garage entwachsen ist. Ich bin gespannt, wohin es ihn nach dem "College" verschlägt. 

Das tolle Video zu "CCF (I'm Gonna Stay With You)":

Der Song "Gethsemane" verdient das Attribut "Rock-Oper":

Klar ist: "The scholars" dient als eindrucksvoller Nachweis der zurückgewonnenen Stärke. Mehr als vielleicht jemals zuvor zeigt sich auf dem Album, dass sich Car Seat Headrest längst von einem Soloprojekt mit möglicherweise wie hinzugeladen wirkenden Musikern hin zu einer echten Band entwickelt haben. In der ein jeder seine Ideen einbringen und seine musikalischen Qualitäten ausleben darf, um am großen Ganzen mitzuwirken. Dass jeder Song für sich überzeugt und gleichzeitig alles miteinander Sinn ergibt, ist einer der vielen Vorzüge dieses, man muss es so deutlich sagen, großen Wurfs.

(plattentests)

Vermutlich sitze ich zu wenig auf Pferdesatteln, um Country und Americana zu verstehen oder gar zu lieben. Es gab hier vor Gericht in der Vergangenheit dazu sogar schon die eine oder andere heißere Diskussion. Die wird es m. E. im Zusammenhang mit "Caveman wakes up" nicht geben müssen, handelt es sich doch im eine ziemlich perfekte Mischung aus Folk und Indierock. 

Friendship aus Philadelphia sitzen ruhig in der Ecke einer schlecht beleuchteten Kneipe, nicken dir kurz zu und erzählen dir dann, wenn du dich dazugesetzt hast, die besten Geschichten des Jahres. „Caveman wakes up“ ist genau so ein Album: Ein Meisterstück der Entschleunigung. Dan Wriggins, der Kopf der Bande, hat eine dieser Stimmen, die man sofort unter Tausenden wiedererkennt. Ein knarziger Bariton, der immer so klingt, als wäre er gerade erst aufgestanden oder würde gleich wieder ins Bett gehen. 

Musikalisch ist das fünfte Album der 2015 gegründeten Band pures Understatement. Man könnte es Alt-Country nennen, aber dafür ist es zu verspielt. Man könnte es Folk nennen, aber dafür groovt es zu eigensinnig. Die Band um Wriggins webt einen Teppich aus staubigen Akustikgitarren, Pedal-Steel-Seufzern und Synthie-Flächen, die manchmal klingen wie alte Videospielkonsolen, denen der Strom ausgeht. 

Was „Caveman Wakes Up“ so besonders macht, ist die Wärme, die es ausstrahlt. Es ist keine Musik für die große Party, sondern für den Morgen danach. Für lange Autofahrten durch den Nieselregen oder den Moment, wenn man sonntags merkt, dass man eigentlich gar nichts vorhat. Es ist tröstlich, ohne kitschig zu sein. Es ist klug, ohne belehrend zu wirken und der Hörer benötigt keine Sattelerfahrung. 

Das Video zu "Resident evil":

Und das zu "Free association":

Friendship haben hier eine Platte gemacht, die nicht um Aufmerksamkeit bettelt, und sie sich gerade deshalb verdient hat. Ein kleines, feines Juwel für alle, die finden, dass die Welt sich manchmal einen Tick zu schnell dreht. Hervorheben möchte ich den Song, bei dem die Gitarre etwas mutiger klingt: "Tree of heaven". Mehrere Momente des Albums erinnerten mich an Okkervil River und Shearwater. 

The band has clearly attempted to expand their sound: dipping into more diverse musical terrains and trying to leap beyond them into a class of their own. As a result, each song feels like an encapsulation and works because of its distinctiveness. But it is that distinctiveness that also prevents the record from melding and setting as a whole. [...] Caveman Wakes Up is a record on the precipice of a breakthrough, but the inconsistent, patchworked tone and thematic material show the band still has some refining to do.

(pastemagazine)

Der Kitsch, an dem Editors immer gefährlich nah entlangschrammten, der klopft auch hier immer wieder an, besonders auf „The Lights Of New York City“, einem der emotionalen Höhepunkte des Albums. Da reißt es aber eine gespenstische, aus der Ferne tönende Trompete wieder raus. Die Gespenster seines Lebens spielen auf Smiths Album aber immer wieder eine Rolle, vergangener Schmerz, verlorene Freundschaften, alte Erfahrungen. Wenn alle Midlifekrisen klingen würden wie THERE IS NOTHING IN THE DARK…, wäre die Welt eine bessere.

(musikexpress)

Some choruses subtly recall Lana Del Rey, not in imitation but in atmospheric resonance. Overall, the melodies find their own path, carried by an indie-folk foundation brushed with hints of dream pop. The interplay between the piano and drums leaves little room for traditional showpieces—no heavy guitar riffs, no overtly performative moments—yet the simplicity works in the album’s favor.

“Dark Dark Bright” showcases Nick’s ability to create a serene aura within a steady rhythm. It’s not a fast-paced track, but its movement gently propels the melody forward. The light touch of synths adds clarity and brightness, as if the story being told is building toward its own soft, luminous climax. (…)

Overall, the record highlights how seamlessly Nick and June work together, shaping a collection of calm yet compelling harmonies. As the album title suggests, it feels like a soundtrack for welcoming a new year. It guides the listener through nostalgia, love, and hope, its daydream-like vocals and spectral arrangements making it distinct among releases of the season.

Think Mazzy Star, Lana Del Rey, and Beach House to begin grasping just how cinematic this experience truly is.

(New Noise Magazine)

Unclouded takes her airy vocals and baroque dreampop into brighter terrain. Some tracks have a 90s vibe, reminiscent of Saint Etienne or Lush. Others have a feel that can only be accurately described in horticultural terms: the blooming strings of the really lovely Broken Roses, or the sprinkles of xylophones that make Burning Man sound like, well, a Japanese garden.

The balmy reverie is only briefly disrupted by Into Shadows’ brisker pace and mellifluous guitar runs, while Memory’s Underground brings another gentle tempo shift and Beatles-y strings. Unclouded is short on genuinely standout tracks, but it’s a becalming place to visit.

(The Guardian)

Der Angeklagte: Henric de la Cour

Das Beweismittel: Das Album „My Bones, Your Ashes“

Die Anklageschrift

Hohes Gericht, liebe Geschworene der dunklen Tanzfläche! Wir verhandeln heute den Fall eines gewissen Henric de la Cour. Der schwedische Hühne, bekannt aus Vorstrafen mit Formationen wie Yvonne oder Strip Music, ist kein Unbekannter in den Akten der Melancholie. Ihm wird vorgeworfen, mit „My Bones, Your Ashes“ erneut den Weltschmerz so verpackt zu haben, dass man gar nicht anders kann, als dazu die Hüften zu kreisen. Die Anklage lautet auf vorsätzliche Erzeugung von Gänsehaut und unzulässige Nutzung von 80er-Jahre-Referenzen in modernem Gewand.

Die Beweisaufnahme

Wenn Henric de la Cour ans Mikrofon tritt, dann geht es nie um Belanglosigkeiten. Durch seine lebenslange Auseinandersetzung mit Mukoviszidose schwingt in seiner Kunst immer eine Dringlichkeit mit, die man nicht fälschen kann. Er singt nicht über den Tod, weil es im Gothic-Handbuch steht, sondern weil er ihm regelmäßig in die Augen blickt.

Doch wer bei „My Bones, Your Ashes“ nun ein trübseliges Trauerspiel erwartet, wird von der ersten Sekunde an eines Besseren belehrt. Das hier ist kein Jammern, das ist ein Aufbäumen.

Soundtechnisch bewegt sich das Album weg von dem etwas schrammeligen „Demo-Charme“ früherer Tage hin zu einer wuchtigen, produzierten Opulenz. Es knarzt, es wummert, und die Synthesizer bauen Kathedralen aus Klang, in denen Depeche Mode und The Cure gemeinsam die Orgel spielen könnten. Songs wie „Drull“ oder der Titeltrack walzen mit einer Basslinie voran, die direkt in die Magengrube zielt. Seine Stimme – irgendwo zwischen Crooner, Vampirfürst und Post-Punk-Rebell – thront über allem und wechselt mühelos zwischen fragiler Verletzlichkeit und aggressiver Dominanz.

Besonders belastend (im positiven Sinne) ist die Tatsache, dass de la Cour hier einige starke Songs abliefert. Das ist Popmusik für Leute, die Eyeliner tragen, aber trotzdem Refrains mitsingen wollen. Es ist dunkel, ja, aber es ist eine glitzernde, neonfarbene Dunkelheit.

Das Plädoyer

Warum sollte man dieses Album hören? Weil es authentisch ist.  „My Bones, Your Ashes“ ist der Soundtrack für die letzte Party vor dem Weltuntergang. Es ist trotzig, es ist laut und es feiert das Leben gerade dadurch, dass es dessen Endlichkeit so prominent thematisiert.

Die Mischung aus New-Wave-Nostalgie und moderner elektronischer Härte ist hier perfekt ausbalanciert. Man kauft ihm jede Zeile ab. Wenn er singt, dass seine Knochen zu unserer Asche werden, dann klingt das nicht wie eine Drohung, sondern wie ein seltsames, romantisches Versprechen.

Das Video zu "Dead Hank":

Leider kein Video, aber der m. E. beste Song des Albums "Hey you, hell no":

If you love the synth-heavy pop of the 1980s, you should definitely add “My Bones, Your Ashes” to your vinyl record collection. And that is to be taken literally because “My Bones, Your Ashes” is Henric de la Cour‘s first studio album which will be released only digitally and on vinyl, and not on CD. Those who prefer darker tunes and / or heavier sounds will at least enjoy “Bones, Ashes“, “Hey You, Hell No“, the grower “Dread Forever” and “Schneider“.

(chaoszine)

LUX ist die vielstimmige Antwort auf eine vielstimmige Gegenwart, egal was der weltweite autoritäre Backlash erzählen will. Genre- und Sprachgrenzen? Gibt es für Rosalía nicht, wenn sie die Geschichte weiblicher Selbsterfahrung und Stärke erzählen will, da kann sie sich mal in einem Rave verlieren und ein paar Songs später einen Walzer straight aus einer Disneyproduktion nutzen, um mit vergangenen Lovern und unzuverlässigen Männern abzurechnen. (…)

Ein Teil der Songs ist nur auf den physischen Alben zu hören. Das ist teils natürlich kluges Marketing, aber neben der Musik, die mit dem Orchester und Walzer- und Rumba-Momenten, auch ein Symbol für das Trendpendel, dass von der maximalen Künstlichkeit von Hyperpop aus Reaktion auf Pop-Avatare und KI-Musik zurückschwingt in die Welt des realen, des physisch Anfassbaren, des einzigartig Menschlichen und Individuellen.

Mit LUX bringt Rosalía den Bombast in den Pop zurück, umarmt das Experiment und schafft ein Album, das wirklich niemand anderes als sie hätte schreiben können. Ein Gegenentwurf zu der Welt des Mittelmaß, die uns Techwelt und KI-Fanatiker verkaufen wollen. Ein Hoch auf die Einzigartigkeit, ein Hoch auf Rosalía.

(musikexpress)