Nun ist es nicht so, dass der frühere The-Verve-Frontmann in den letzten Jahren zum Shakespeare gereift wäre. Wohl aber hat er sich wieder in einen Pop hineingefuchst, der Erwartungen negiert, Haken schlägt und nicht immer den einfachsten Weg sucht.

Das wird vor allem in der ersten Albumhälfte deutlich: So ist das eröffnende „Lover“ mit seinem Winken Richtung World Pop verwandt mit dem, was Anfang der 1990er-Jahre in Manchester passierte. Die Lust an der Abwechslung findet in den dezenten Americana-Querverweisen von „Out Of These Blues“ und im muskulösen Rock von „Heavy News“ eine gelungene Fortsetzung, bevor „I’m A Rebel“ von Produzenten-Silverager Mirwais Richtung Seventies-Disco und French House geschoben wird – und einen Ashcroft zeigt, der sich der Kopfstimme bedient.

Auch der Titeltrack sucht mit markanten Big Beats den Tanzboden. An anderer Stelle fehlt diese Prägnanz. Dann versinken die Songs wieder in jener Belanglosigkeit, die immer einer der Bestandteile von Ashcrofts Solo-Katalog war. 

(musikexpress)

Vielmehr setzt Dekker auf eine reduzierte Instrumentierung: akustische Gitarren, sparsame Begleitung und gelegentliche sanfte Perkussion-Elemente. In dieser Zurückhaltung liegt seine Stärke. Der Song „Let Me Take You“ etwa zeigt Dekkers Stimme im Mittelpunkt, getragen und ausdrucksvoll, begleitet von leichtem Gitarrenklang und ruhiger Rhythmik.

Dekker gelingt es in diesen Songs immer wieder, das scheinbar Unaussprechliche in Klang zu verwandeln, Momente des Innehaltens, des Zweifelns, des Suchens. Andere Stücke, wie etwa „Change The Chord“, greifen Motive von Veränderung und innerem Konflikt auf, ohne je in  ein Klischee abzurutschen.  In „Not Feeling Up“ etwa klingt eine direkte Verlorenheit an, die man selten so nüchtern vorgetragen hört.

Mit „Neither Up Nor Down“ liefert Dekker ein durch und durch nachdenkliches Werk ab, eins, das nicht laut sein will und sich in den Mittelpunkt drängt, sondern beobachtend, im Raum dazwischen. Wer sich auf diesen Klangraum einlässt, wird reich belohnt: mit Momenten der Einsicht, mit kaum betontem Pathos und mit einer Stimme, die Spuren hinterlässt. 

(Superfly)

There’s so much going on in this album that it feels like it would have been easy for the five-piece to lose sight of the bigger picture, yet for all its abrupt shifts and intricate details, ‘Getting Killed’ somehow doesn’t ever feel like there’s too much at play or like its creators aren’t in complete control. Instead, this is a band living up to their reputation as exhilaratingly free-spirited, not so much proving they deserve all the accolades and fervent fanaticism bubbling around them but demanding it.

(NME)

Whatever it is, Getting Killed rounds up the anxiety, desperation, and existential dread of 2025 and delivers it in a way that no other band alive could. Such an adept distillation of a tumultuous era is rare, and Getting Killed is an equally uncommon instant classic that should prove to be as valuable to its audience as those aforementioned indie-rock cornerstones once were in the late 90s and early 00s. It’s a different beast than those were, sure - but that’s the point. Getting Killed blazes a new kind of trail for a new kind of time. As Cameron Winter sings on the final verse of the towering closer: “I have no idea where I'm going. Here I come.”

(Sputnik Music)

The band sounds at once locked-in and reckless, as if they’ve discovered how to weaponize sloppiness and sprawl into pure momentum, and the result is never anything less than thrilling. “Cobra” lets some tenderness seep in without softening the surrounding pandemonium, while the title track is a swaggering, funk-driven workout featuring a Ukrainian choir sample, pausing just long enough for Winter to confess, “I’m getting killed by a pretty good life/I have been fucking destroyed by the city tonight,” before spiraling back into another delirious freak-out.

Even at their most excessive and baroque—“100 Horses” rides militant repetition into a hypnotic frenzy, with guitars screaming and drums tumbling over themselves—Winter and company keep their wilder instincts grounded. These songs are meticulously constructed, their apparent disorder anchored by an exacting attention to texture, momentum, and tension.

(Slant Magazine)

„The Fate Of Ophelia“ bietet einen poppigen Hamlet-Bezug, aber hier wird Ophelia gerettet, statt zu ertrinken. ER hat es getan. Wer ist das? Wir können nur mutmaßen …Das Stück ist extrem taylorhaft und bietet natürlich auch eine ihrer berühmten „Bridges“ an. Relatable! Mit „Elizabeth Taylor“ wird ein lustiges Namenswortspiel, das Swift schon einmal einsetzte, wieder aufgenommen. Elizabeth Taylor, oft der Vielmännerei bezichtigt, wollte evtl. nur den Einen, so die Geschichte. Dieses Lebensproblem wird hier musikalisch kraftvoll und mit Druck abgebildet.

Das tollste Stück des Albums ist „Opalite“. Leicht und luftig hat es etwas von den späten Fleetwood Mac. Auch was den empowernden Moment angeht: „Sleeplees in the onyx night but now the sky is opalite“. „Father Figure“ ist eine Hommage an George Michael, „Ruin The Friendship“ bedient sich der Mittel des Yacht-Rocks und gibt dem Bedauern, nicht „mehr“ aus einer reinen Freundschaft zu einem Jugendfreund gemacht zu haben, Raum. In „Actually Romantic“ nimmt sich Swift Runtermacher:innen vor (hier geht es vermutlich explizit um Charli XCX, die ja einen Song mit dem Titel „Everything is romantic“ im Gepäck hat und die zeitweise Beef mit Swift hatte…).

„Wood“ könnte ein weiterer Hit sein, Sixties-Vibes geben ihm Lockerheit. Der Anfang erinnert angenehm an „ABC“, den großartigen Song der Jackson Five. „Honey“ scheint ein Liebeslied für ihren Verlobten Travis Kelce zu sein und im Titelstück beschreibt Swift dann eben wirklich, was es heißt, berühmt zu sein. Unterstützt wird sie dabei von Sabrina Carpenter, die auf der letzten Tour ja teilweise für Swift eröffnet hat. Lässige Handclaps, Gitarren helfen dabei, den allzu romantisierenden Blick von Außen auf ein Leben auf Bühnen und im Scheinwerferlicht zu relativieren.

(musikexpress)